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2025年12月22日，上海浦东美术馆推出年末收官国际大展“非常毕加索：保罗·史密斯的新视角”（Picasso Through the Eyes of Paul Smith）。作为国际巡展的首站、亦是中国唯一站，展览由浦东美术馆与巴黎毕加索博物馆联合主办，以当代视角呈现其珍贵馆藏中跨越艺术家整个职业生涯的经典作品，构成国内迄今最完整、创作类型覆盖最全面的毕加索艺术巡礼，为中国观众带来一场空前绝后的艺术盛宴。

“非常毕加索”则以难得一见的规模囊括艺术家一生中所有标志性创作阶段：从蓝色时期的忧郁凝视、粉色时期的温柔叙事，到立体主义的革命性重构；从新古典主义的形体回归、超现实主义时期的心理张力，到反战创作的情绪表达、对西方艺术大师的重新对话，再至综合媒介实验与晚年奔放自由的艺术语言等，全面再现了这位20世纪最具创造力与影响力的天才巨匠一生的风格变奏。80件展品涵盖油画、炭笔画、铅笔画、雕塑、水彩、浮雕画、版画、陶瓷等几十余种创作材料，带领观众与二十世纪最具颠覆性的艺术革命遗产展开一场深度对话。

作为展览主视觉之一的《阅读》（1932）展现了毕加索在玛丽–特蕾兹·瓦尔特时期的肖像语言：圆润的曲线与流动的色彩塑造出柔和却结构清晰的形象。保罗·史密斯从画中提取“条纹”元素，将其延伸至展厅墙面，使观众在空间中获得更直接的视觉体验。立体主义时期的《圣心大教堂》（1909–1910）则体现“立体主义”对现实形体的重新组织，使具体建筑在画面中介于写实与抽象之间北单足球app，为观众带来这一里程碑式艺术变革的关键面貌。

儿童主题作品，如《装扮成喜剧丑角的保罗》（1924）与《与玩具卡车玩耍的孩子》（1953），则呈现了毕加索创作中柔和而富于象征的一面。毕加索一直将童年视为其创作中的核心，儿童在他的创作中既是描绘对象，也是引发形式革新的重要源泉。他借由儿童视角的天真与自由，从中提取新的线条与形体方式，寻求摆脱传统绘画规范的可能，“像孩子一样画画”成为贯穿他艺术生涯的内在愿望。

首次来华展出的标志性作品《牛头》（1942）为展览开启视觉与意义的双重入口。由自行车鞍座与车把组合而成的这件作品，是毕加索艺术变形过程的典范之作。保罗·史密斯也将这种跨媒材的幽默与直觉延伸至展览现场，让观众从“物件之美”直接进入艺术家的思维体系。此外，《斗牛：斗牛士之死》（1933）则体现毕加索对于斗牛的热情。画面以浓郁的色彩与定格般的动态表现关键情节，形成具有戏剧张力的画面结构。20世纪20—30年代，他围绕斗牛创作了大量绘画、素描与版画，显示出艺术家对该题材的持续兴趣。

蓝色时期的代表作《男人肖像》（1902–1903）展现毕加索早期创作的精神基调。画中人物独坐于室内，被冷峻的蓝色调所包裹，画面从叙事转向对人物内心情绪的凝视。这一阶段的作品多以边缘群体为主题，往往被视为人类苦难的象征。随之而来的粉色时期与早期立体主义，在《女人或水手胸像》(《阿维尼翁的少女》研习稿)（1907）中获得过渡性的体现。作品粗粝的造型与原始能量源于毕加索对原住民文化、非洲与大洋洲艺术的兴趣，他在大量素描、速写与构图实验中逐步确立新的体积与形体逻辑，为《阿维尼翁的少女》的创作奠定了视觉基础。

《草地上的午餐》系列的再创作，则呈现毕加索如何在20世纪50年代重新回到艺术史经典北单足球app，与马奈展开跨越时空的对话。他围绕同一主题创作了大量绘画、素描与版画，通过姿态、构图与场景的调整等方式解构视觉结构。该系列作品的规模之庞大，在毕加索与艺术史传统的正面对话中占据独特地位。陶瓷作品如《饰有大胡子农牧神头像的长盘》（1948）呈现毕加索在瓦洛里斯时期的另一类实验。他以传统器形为基础，通过塑形、绘制与变形，使盘、壶、砖块转化为动物或神祇的面孔。这些创作不仅显示了艺术家在陶艺领域的灵活和幽默，更反映其对材料和形式的不断拓展，这些探索也反哺了他同期的绘画与雕塑实践。

此外，展览还包括“玩转时尚的艺术鬼才”“集合与拼贴”“古典主义画家”“战争期间”“海魂衫”“晚期创作：1969—1972年”“展览中的毕加索”等展厅，进一步延展艺术家的主题探索，使观众得以从多维度理解毕加索在材料、手法、题材与风格上的持续拓展。整体展览共同勾勒出毕加索作品在国际艺术史中的重要位置，以及其跨越时空、持续影响当代视觉文化的深刻力量；在今日文化景观不断变动的背景下，他的艺术仍保持清晰的轮廓与穿透力。

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